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Entrevista

Nina Menkes: la mirada transformadora

La cineasta norteamericana, a quien el Festival le dedica una retrospectiva completa, es una de las grandes invitadas de esta edición. Recibirá un premio a la Trayectoria, y dará una Charla con Maestros en la que recorrerá su filmografía y dará detalles de su lugar como referente del cine feminista. En esta entrevista adelanta algunos de estos temas.
Nina Menkes: la mirada transformadora


¿Cómo nacen tus proyectos y cómo trabajás tus guiones?

En general mis proyectos me aparecen, como de la atmósfera, del inframundo… No elijo mis proyectos, en realidad me eligen a mí. Por lo general, es una figura, un personaje o una situación, y luego las imágenes comienzan a aparecer y las recopilo durante un cierto período de tiempo; podrían ser unos meses o un año. Una vez que las imágenes han alcanzado una masa crítica, las examino y trato de descubrir la narrativa oculta o preexistente, y luego sucede el guion. Siento que mis películas vienen a mí y que las canalizo; es un proceso autónomo. Me siento afortunada de recibir esas imágenes.


Buena parte de tu filmografía está protagonizada por tu hermana Tinka. ¿Cómo describirías este trabajo creativo conjunto?

Empezamos a trabajar juntas de casualidad, cuando hice mi primera película en Super 8, A Soft Warrior (1981). La filmación se realizó en el departamento de mi madre, y mi hermana, que todavía era una adolescente, vivía en casa. Había elegido a dos actrices para que interpretaran a mi hermana y a mí… ¡pero una no apareció! Entonces le pedí a Tinka que se interpretara a sí misma (la película es sobre dos hermanas, y una de ellas está muy enferma). Como Tinka había estado muy enferma y se había recuperado recientemente, no quería interpretar a un personaje enfermo. Así que dije: “¡Ok, me interpretás a mí!”. Tinka se cubre de pintura negra e intenta conectarse con su hermana, que está muy enferma. La película vincula el trauma con el proceso de creación del arte, y el personaje de Tinka se ve primero creando su propio arte y luego, de alguna manera, transformándose en su arte. Para mí, la pintura negra era parte de un ritual de curación o un intento de ritual de curación, y estaba conectado con mi sentimiento de que el cine y la creación artística son una forma de lidiar con el trauma y entrar en niveles alternativos de realidad. Nos sorprendió el poder de Tinka como actriz (¿quién podía saberlo?). Así comenzó nuestra colaboración. El trabajo que hemos realizado juntos es muy profundo, interior y transformador. Definitivamente no es algo que generalmente sucede en los sets de filmación. Generalmente nos teletransportamos a un universo alternativo cuando filmamos y gran parte de nuestra comunicación es telepática.


Siendo una cineasta realmente independiente, ¿cómo es el proceso de financiación y producción de tus proyectos?

Esta es la parte más dolorosa y difícil de hacer películas. En los Estados Unidos, no hay soporte para películas independientes, como sí en Europa y otros países. Hay un capitalismo bruto en los Estados Unidos, así que es por eso que todos mis presupuestos han sido muy bajos. Quizás ahora, luego del #METOO, con la conciencia de cómo las directoras han sido bloqueadas y severamente discriminadas, tal vez habrá un cambio. Cada película fue una lucha diferente, pero el aspecto económico es el más extraño y generalmente el más difícil y doloroso para mí.


Si ser cineasta independiente no es fácil, mucho menos lo es siendo una directora mujer. ¿Considerás que enfrentaste dificultades particulares a lo largo de tu carrera por ser una mujer trabajando en un área (y una industria) mayoritariamente masculina?

¡Sí, por supuesto! Mi primer largometraje, Magdalena Viraga (1986), realizado mientras era una estudiante en la UCLA, recibió el Los Angeles Film Critics Award. Recibimos una crítica tan favorable en el Los Ángeles Times que casi me desmayo cuando la leí. Y, sin embargo, nadie de Hollywood me contactó para ofrecerme la oportunidad de hacer otra película. Esto nunca le hubiera pasado a un hombre. Este es solo un caso, pero es un buen ejemplo del tipo de obstáculos que enfrentamos en ese momento, y no ha cambiado mucho, lamentablemente.


Tu filmografía es formalmente diversa, pero en ella siempre hay un trabajo de cámara muy particular y riguroso. Además, sos la camarógrafa de tus películas. ¿Cómo pensás tu trabajo con la cámara y qué importancia tiene para vos?

Es muy importante y nunca me puedo imaginar tener a otra persona haciendo la cámara para mis películas; esto es porque siento mis películas a través de la lente. No me gusta crear storyboards, porque temo que, si lo hiciera, significaría perder la espontaneidad en el momento, que es lo que estoy buscando. Si me parara a un lado, mientras alguien más filmara, me sentiría fuera de la película y fuera del electrizante universo alternativo que se está creando momento a momento dentro de la cámara. En mis últimas películas trabajé con excelentes directores de fotografía que manejaban la iluminación y los aspectos técnicos para poder concentrarme en la dirección y el trabajo con la cámara. Siempre diseño mis propias tomas, es muy valioso para mí y me encanta.


Tus películas abordan cuestiones de género de diversas maneras; sus protagonistas suelen ser personajes femeninos alienados en un mundo violento. Más allá de este “contenido” de tus obras, ¿cómo considerás que se conectan tus búsquedas formales con este punto de vista feminista? Sobre todo teniendo en cuenta que sos no solo guionista sino también camarógrafa y editora de tus películas, y considerando el peso que tiene la cuestión de la mirada en los estudios sobre cine y género.

Mis búsquedas formales están muy relacionadas con cuestiones de género y con el rechazo de la forma tradicional de mirar. Pero no es solo la forma habitual de mirar en términos de cómo las mujeres siempre han sido fotografiadas, que es, de hecho, el tema de una nueva película documental (Brainwashed) que estoy produciendo (esta película está en progreso, ¡y la filmaremos durante el Festival en Mar del Plata!). En Brainwashed discuto este tema preciso: cómo tradicionalmente se ha filmado a las mujeres en las películas. Está basada en mi presentación cinematográfica Sex and Power: The Visual Language of Oppression. Pero la construcción formal de tomas y edición también es un problema mayor: ¿cómo reproducimos la realidad cinematográficamente? Tarkovsky lo llamó “esculpir en el tiempo”, y coincido con eso. Digamos esculpir en el tiempo y el espacio. Hay una forma tradicional de construir la realidad en la mayoría de las películas narrativas, y ese método me parece muy aburrido. No refleja la verdad interior de la realidad y la experiencia. Entonces siento, a través de la cámara, cuál es la verdad interna, de una escena, de una situación, una situación política y emocional, y luego trato de hacer coincidir esa verdad interna con la toma que construyo, y lo mismo con respecto a mis decisiones en la edición.


¿Hay algún o alguna cineasta que consideres una influencia en tu obra, o con quienes te sientas emparentada?

Seguramente sí. Incluiría a Chantal Akerman, Antonioni, Pasolini –especialmente Accattone y El Evangelio según San Mateo–, Sergei Parajanov, Sin techo ni ley de Agnès Varda (no sus otras películas, solo esa), en cierta forma Tarkovsky, y amo a Lucrecia Martel; ella crea realidades alternativas a través del diseño y la edición de tomas. Mi favorita de sus películas es La ciénaga. Adoro The Wonders, de Alice Rohrwacher, y Los muertos de Lisandro Alonso. También Al azar Balthazar, de Bresson, que la debo haber visto como siete veces… Y si hablamos de clásicos, ¿cómo alguien no puede amar 8 1/2 de Fellini? Estas son algunas de las películas que adoro. En términos de influencia, me influyeron más los escritores y pintores principalmente, como los escritores existenciales Camus, Andre Breton; también Herman Melville (Moby Dick), Gertrude Stein (¡todo de ella!), Sylvia Plath, Sarah Kane (4.48 Psychosis). Los pintores y fotógrafos surrealistas fueron una gran infuencia para mí, incluyendo a Dalí, Max Ernst, Leonara Carrington, Remedios Varos, Kay Sage, y otros más contemporáneos como Cindy Sherman.


Todas las copias son cortesía de Academy Film Archive.


Charla con maestras: Nina Menkes
Horario: 17:00 hs
Lugar: Tronador Concert by Campari (Bvd. Marítimo Peralta Ramos 3143)